ดนตรีมีพื้นฐานหรือองค์ประกอบต่างๆมากมาย ขึ้นอยู่กับคำจำกัดความของ "องค์ประกอบ" ที่ใช้สิ่งเหล่านี้อาจรวมถึงระดับเสียงจังหวะหรือจังหวะจังหวะจังหวะท่วงทำนองความกลมกลืนพื้นผิวลักษณะการจัดสรรเสียงเสียงต่ำหรือสีพลวัตการแสดงออกการประกบรูปแบบและโครงสร้าง . องค์ประกอบของดนตรีมีลักษณะเด่นชัดในหลักสูตรดนตรีของออสเตรเลียสหราชอาณาจักรและสหรัฐอเมริกา ทั้งสามหลักสูตรระบุระดับเสียงพลวัตเสียงต่ำและพื้นผิวเป็นองค์ประกอบ แต่องค์ประกอบอื่น ๆ ที่ระบุของดนตรียังไม่เป็นที่ยอมรับในระดับสากล ด้านล่างนี้คือรายชื่อ "องค์ประกอบของดนตรี" เวอร์ชันทางการทั้งสามเวอร์ชัน: 

ออสเตรเลีย: พิทช์เสียงต่ำพื้นผิวพลวัตและการแสดงออกจังหวะรูปแบบและโครงสร้าง 

สหราชอาณาจักร: pitch, timbre, พื้นผิว, พลวัต, ระยะเวลา, จังหวะ, โครงสร้าง  

สหรัฐอเมริกา: pitch, timbre, texture, dynamics, จังหวะ, รูปแบบ, ความสามัคคี, สไตล์ / การประกบ  

ในส่วนที่เกี่ยวข้องกับหลักสูตรสล็อตออนไลน์ของสหราชอาณาจักรในปี 2013 คำว่า: " โน้ตดนตรีที่เหมาะสม" ได้ถูกเพิ่มเข้าไปในรายการองค์ประกอบและชื่อของรายการได้เปลี่ยนจาก "องค์ประกอบของดนตรี" เป็น "มิติระหว่างดนตรี" มิติข้อมูลที่เกี่ยวข้องระหว่างดนตรีแสดงเป็น: ระยะห่าง, ระยะเวลา, พลวัต, จังหวะ, เสียงต่ำ, พื้นผิว, โครงสร้างและสัญกรณ์ดนตรีที่เหมาะสม  

วลี "องค์ประกอบของดนตรี" ถูกใช้ในบริบทต่างๆ สองบริบทที่พบบ่อยที่สุดสามารถสร้างความแตกต่างได้โดยอธิบายว่าเป็น "องค์ประกอบพื้นฐานของดนตรี" และ "องค์ประกอบการรับรู้ของดนตรี" 

องค์ประกอบพื้นฐาน 

ในปี 1800 วลี "องค์ประกอบของดนตรี" และ "พื้นฐานของดนตรี" ถูกนำมาใช้สลับกัน [ องค์ประกอบที่อธิบายไว้ในเอกสารเหล่านี้อ้างถึงแง่มุมของดนตรีที่จำเป็นในการเป็นนักดนตรีนักเขียนล่าสุดเช่น Espie Estrella ดูเหมือนจะใช้วลี "องค์ประกอบของดนตรี" ในลักษณะที่คล้ายคลึงกัน คำจำกัดความที่สะท้อนการใช้งานนี้ได้บาคาร่า อย่างถูกต้องที่สุดคือ: "หลักการพื้นฐานของศิลปะวิทยาศาสตร์ ฯลฯ : องค์ประกอบของไวยากรณ์" หลักสูตรของสหราชอาณาจักรเปลี่ยนไปใช้ "มิติระหว่างดนตรี" ดูเหมือนจะเป็นการย้อนกลับไปใช้องค์ประกอบพื้นฐานของดนตรี 

องค์ประกอบการรับรู้ 

นับตั้งแต่มีการศึกษาเรื่องPsychoacousticsในช่วงทศวรรษที่ 1930 รายการเพลงส่วนใหญ่มีความเกี่ยวข้องกับวิธีการที่เราได้ยินดนตรีมากกว่าวิธีที่เราเรียนรู้ที่จะเล่นหรือศึกษา CE Seashore ในหนังสือPsychology of Music , ระบุ "คุณลักษณะทางจิตวิทยาของเสียง" สี่ประการ ได้แก่ "ระดับเสียงความดังเวลาและเสียงต่ำ" (น. 3) เขาไม่ได้เรียกสิ่งเหล่านี้ว่า "องค์ประกอบของดนตรี" แต่เรียกสิ่งเหล่านี้ว่า "องค์ประกอบขององค์ประกอบ" (น. 2) อย่างไรก็ตามองค์ประกอบที่เป็นองค์ประกอบเหล่านี้เชื่อมโยงอย่างแม่นยำกับองค์ประกอบทางดนตรีที่พบบ่อยที่สุด 4 อย่าง ได้แก่ "Pitch" และ "timbre" ที่ตรงกัน "ความดัง" เชื่อมโยงกับดูหนังออนไลน์พลวัตและการเชื่อมโยง "เวลา" กับองค์ประกอบตามเวลาของจังหวะระยะเวลาและจังหวะ การใช้วลี "องค์ประกอบของดนตรี" นี้เชื่อมโยงอย่างใกล้ชิดมากขึ้นกับคำจำกัดความของพจนานุกรมใหม่ในศตวรรษที่ 20 ของเว็บสเตอร์ว่า: "สารที่ไม่สามารถแบ่งออกเป็นรูปแบบที่ง่ายกว่าโดยวิธีการที่รู้จัก" 

แม้ว่าผู้เขียนรายการของ "องค์ประกอบพื้นฐานของดนตรี" สามารถเปลี่ยนแปลงรายการได้ขึ้นอยู่กับลำดับความสำคัญส่วนบุคคล (หรือสถาบัน) ของพวกเขา แต่องค์ประกอบการรับรู้ของดนตรีควรประกอบด้วยรายการองค์ประกอบที่ไม่ต่อเนื่อง (หรือพิสูจน์แล้ว) ที่กำหนดขึ้นซึ่งสามารถปรับแต่งได้อย่างอิสระ เอฟเฟกต์ดนตรีที่ตั้งใจไว้ ดูเหมือนว่าในขั้นตอนนี้ยังมีงานวิจัยที่ต้องทำในพื้นที่นี้ 

วิธีที่แตกต่างกันเล็กน้อยใกล้ตัวขององค์ประกอบของดนตรีที่มีการระบุ "องค์ประกอบของเสียง " เป็น: สนาม , ระยะเวลา , เสียงดัง , ต่ำ , เนื้อโซนิคและ ตำแหน่งพื้นที่ , [19]และจากนั้นในการกำหนด "องค์ประกอบของ ดนตรี "เป็น: เสียงโครงสร้างและเจตนาทางศิลปะ  

คำอธิบายขององค์ประกอบ 

สนามและทำนอง 

ระดับเสียงเป็นลักษณะของเสียงที่เราสามารถได้ยินโดยสะท้อนให้เห็นว่าเสียงดนตรีโน้ตหรือโทนเสียงหนึ่ง "สูงกว่า" หรือ "ต่ำกว่า" เสียงดนตรีโน้ตหรือโทนเสียงอื่น เราสามารถพูดคุยเกี่ยวกับฝ่าหรือเป็็นน้อยของสนามในความหมายที่กว้างขึ้นเช่นวิธีการที่เป็นผู้ฟังที่ได้ยินสูงแปล๊ขลุ่ยโน้ตหรือผิวปากเสียงเป็นที่สูงขึ้นในสนามกว่ากระหน่ำลึกของเบสกลอง นอกจากนี้เรายังพูดคุยเกี่ยวกับสนามในความรู้สึกที่แม่นยำที่เกี่ยวข้องกับดนตรีท่วงทำนอง , basslinesและคอร์ด. สามารถกำหนดระดับเสียงที่แม่นยำได้เฉพาะในเสียงที่มีความถี่ที่ชัดเจนและมั่นคงเพียงพอที่จะแยกแยะออกจากเสียง ตัวอย่างเช่นผู้ฟังสามารถแยกแยะระดับเสียงของโน้ตตัวเดียวที่เล่นบนเปียโนได้ง่ายกว่าการพยายามแยกแยะระดับเสียงของฉิ่งที่มีการกระแทก 

ท่วงทำนองเพลงดั้งเดิม " Pop Goes the Weasel " 

เมนู 

ทำนอง (ที่เรียกว่า "tune") เป็นชุดของสนาม (บันทึก) ทำให้เกิดเสียงในการทดแทน (หนึ่งหลังจากที่อื่น ๆ ) มักจะอยู่ในรูปแบบที่เพิ่มขึ้นและลดลง หมายเหตุของทำนองเพลงที่ถูกสร้างขึ้นโดยปกติจะใช้ระบบสนามเช่นเครื่องชั่งน้ำหนักหรือโหมด เมโลดี้มักจะมีโน้ตจากคอร์ดที่ใช้ในเพลง ท่วงทำนองในเพลงพื้นบ้านธรรมดา ๆ และเพลงดั้งเดิมอาจใช้เฉพาะโน้ตของสเกลเดี่ยวสเกลที่เกี่ยวข้องกับโน้ตโทนิคหรือคีย์ของเพลงที่กำหนด ตัวอย่างเช่นเพลงพื้นบ้านที่อยู่ในคีย์ของ C (หรือที่เรียกว่า C major) อาจมีทำนองที่ใช้เฉพาะโน้ตของสเกลหลัก (โน้ตเดี่ยว C, D, E, F, G, A, B และ C; นี่คือ " โน้ตสีขาว"บนคีย์บอร์ดเปียโนในทางกลับกันBebop -era jazz จากทศวรรษที่ 1940 และดนตรีร่วมสมัยในศตวรรษที่ 20 และ 21 อาจใช้ท่วงทำนองที่มีโน้ตสีหลายแบบ(เช่นโน้ตนอกเหนือจากโน้ตของสเกลหลักบน a เปียโนสเกลสีจะรวมโน้ตทั้งหมดบนคีย์บอร์ดรวมถึง "โน้ตสีขาว" และ "โน้ตสีดำ" และสเกลที่ผิดปกติเช่นสเกลโทนเสียงทั้งหมด (สเกลโทนเสียงทั้งหมดในคีย์ของ C จะมีโน้ต C , D, E, F ♯ , G ♯และ A ♯ ). ต่ำสายดนตรีลึกเล่นโดยเครื่องดนตรีเบสเช่นดับเบิลเบสเบสไฟฟ้าหรือแตรเรียกว่าbassline 

ความสามัคคีและคอร์ด 

เมื่อนักดนตรีเล่นสามหรือมากกว่าที่แตกต่างกันบันทึกในเวลาเดียวกันนี้จะสร้างคอร์ด ในดนตรีตะวันตกรวมทั้งเพลงคลาสสิกเพลงป๊อปเพลงร็อคและรูปแบบที่เกี่ยวข้องจำนวนมากคอร์ดพบมากที่สุดคือtriads - โน้ตสามมักจะเล่นในเวลาเดียวกัน คอร์ดใช้กันมากที่สุดเป็นคอร์ดและคอร์ดเล็กน้อย ตัวอย่างของคอร์ดหลักคือสามเสียง C, E และ G ตัวอย่างของคอร์ดรองคือสามเสียง A, C และ E (ในภาพคือผู้เล่นกีตาร์กำลังเล่นคอร์ดบนกีตาร์) 

ความสามัคคีหมายถึงเสียง "แนวตั้ง" ของสนามในเพลงซึ่งหมายความว่าสนามที่มีการเล่นหรือร้องร่วมกันในเวลาเดียวกันเพื่อสร้างคอร์ด โดยปกติหมายถึงการเล่นโน้ตในเวลาเดียวกันแม้ว่าความกลมกลืนอาจบ่งบอกโดยนัยได้จากทำนองเพลงที่แสดงโครงสร้างฮาร์มอนิก (กล่าวคือโดยใช้โน้ตทำนองที่เล่นทีละเพลงโดยสรุปโน้ตของคอร์ด) ในเพลงที่เขียนขึ้นโดยใช้ระบบของโทนเสียงหลัก - รอง("คีย์") ซึ่งรวมถึงดนตรีคลาสสิกส่วนใหญ่ที่เขียนขึ้นตั้งแต่ปี 1600 ถึง 1900 และดนตรีป๊อปร็อคและดนตรีดั้งเดิมของตะวันตกส่วนใหญ่คีย์ของชิ้นส่วนจะกำหนดขนาดที่ใช้ซึ่งมีศูนย์กลางอยู่ที่ "บันทึกประจำบ้าน" หรือยาชูกำลังของคีย์ เพลงคลาสสิกเรียบง่ายและเพลงป๊อปและเพลงดั้งเดิมจำนวนมากถูกเขียนขึ้นเพื่อให้เพลงทั้งหมดอยู่ในคีย์เดียว เพลงและชิ้นดนตรีคลาสสิกป๊อปและดั้งเดิมที่ซับซ้อนมากขึ้นอาจมีสองคีย์ (และในบางกรณีอาจมีสามคีย์ขึ้นไป) ดนตรีคลาสสิกจากยุคโรแมนติก (เขียนประมาณ 1820–1900) มักมีหลายคีย์เช่นเดียวกับแจ๊สโดยเฉพาะแจ๊สBebopจากทศวรรษที่ 1940 ซึ่งคีย์หรือ "โน้ตประจำบ้าน" ของเพลงอาจเปลี่ยนทุกๆสี่บาร์หรือแม้แต่ทุกๆ สองแท่ง 

จังหวะ 

จังหวะคือการจัดเรียงของเสียงและความเงียบตามเวลา มิเตอร์จะเคลื่อนไหวเวลาในการจัดกลุ่มชีพจรปกติเรียกว่าการวัดหรือบาร์ซึ่งในดนตรีคลาสสิกตะวันตกยอดนิยมและแบบดั้งเดิมมักจัดกลุ่มโน้ตเป็นชุดสองชุด (เช่นเวลา 2/4) สามครั้ง (เช่น 3/4 ครั้งหรือที่เรียกว่าเวลาวอลซ์หรือ 3/8 ครั้ง) หรือสี่ (เช่นเวลา 4/4) เมตรช่วยให้ฟังได้ง่ายขึ้นเนื่องจากเพลงและท่อนต่างๆมักจะ (แต่ไม่เสมอไป) ให้ความสำคัญกับจังหวะแรกของแต่ละกลุ่ม มีข้อยกเว้นที่โดดเด่นเช่นแบ็คบีทที่ใช้ในเพลงป๊อปและร็อคตะวันตกซึ่งเพลงที่ใช้การวัดที่ประกอบด้วยจังหวะสี่จังหวะ (เรียกว่าเวลา 4/4 หรือเวลาทั่วไป) จะเน้นเสียงในจังหวะที่สองและสี่ซึ่งโดยทั่วไปแล้วมือกลองจะแสดงบนสแนร์กลองซึ่งเป็นเครื่องเคาะที่ดังและให้เสียงที่โดดเด่น ในเพลงป็อปและร็อคส่วนของจังหวะของเพลงจะเล่นโดยส่วนจังหวะซึ่งรวมถึงเครื่องดนตรีที่เล่นคอร์ด (เช่นกีตาร์ไฟฟ้ากีตาร์โปร่งเปียโนหรือเครื่องดนตรีคีย์บอร์ดอื่น ๆ ) เครื่องดนตรีเบส (โดยทั่วไปคือเบสไฟฟ้าหรือสำหรับ บางสไตล์เช่นแจ๊สและบลูแกรสส์ดับเบิลเบส) และเครื่องเล่นกลองชุด 

พื้นผิว 

เนื้อดนตรีคือเสียงโดยรวมของเพลงหรือเพลง พื้นผิวของชิ้นส่วนหรือเพลงจะพิจารณาจากวิธีการรวมวัสดุที่ไพเราะจังหวะและฮาร์มอนิกเข้าด้วยกันดังนั้นจึงกำหนดลักษณะโดยรวมของเสียงในชิ้นงาน พื้นผิวมักถูกอธิบายโดยคำนึงถึงความหนาแน่นหรือความหนาและช่วงหรือความกว้างระหว่างระดับเสียงต่ำสุดและสูงสุดในแง่สัมพัทธ์รวมถึงความแตกต่างที่เฉพาะเจาะจงมากขึ้นตามจำนวนเสียงหรือส่วนต่างๆและความสัมพันธ์ระหว่างเสียงเหล่านี้ (ดูประเภททั่วไปด้านล่าง) ตัวอย่างเช่นพื้นผิวที่หนาจะมีเครื่องดนตรี 'หลายชั้น' หนึ่งในเลเยอร์เหล่านี้อาจเป็นส่วนสตริงหรือทองเหลืองอื่น ๆ ความหนายังได้รับผลกระทบจากปริมาณและความสมบูรณ์ของตราสาร พื้นผิวมักจะอธิบายตามจำนวนและความสัมพันธ์ระหว่างส่วนหรือสายดนตรี: 

monophony : ทำนองเดียว(หรือ "ปรับแต่ง") ที่ไม่มีการบรรเลงประกอบหรือส่วนที่กลมกลืนกัน แม่ที่ร้องเพลงกล่อมลูกให้ลูกฟังน่าจะเป็นตัวอย่าง 

ความแตกต่าง : เครื่องดนตรีหรือนักร้องสองคนขึ้นไปที่เล่น / ร้องเพลงทำนองเดียวกัน แต่นักแสดงแต่ละคนจะเปลี่ยนจังหวะหรือความเร็วของทำนองเพลงเล็กน้อยหรือเพิ่มเครื่องประดับที่แตกต่างกันให้กับทำนองเพลง สองบลูแกรส ขลุ่ยเล่นเหมือนกันแบบดั้งเดิมปรับแต่งไวโอลินด้วยกันจะแตกต่างกันโดยทั่วไปแต่ละทำนองบิตและแต่ละเพิ่มเครื่องประดับที่แตกต่างกัน 

พฤกษ์ : ทำนองเพลงอิสระหลายเส้นที่ประสานเข้าด้วยกันซึ่งร้องหรือเล่นในเวลาเดียวกัน เพลงประสานเสียงที่เขียนในยุคดนตรีเรอเนสซองส์มักเขียนในรูปแบบนี้ รอบซึ่งเป็นเพลงดังกล่าวเป็น " แถวแถวแถวเรือของคุณ " ซึ่งกลุ่มที่แตกต่างกันของนักร้องทุกคนเริ่มที่จะร้องเพลงในเวลาที่แตกต่างกันเป็นตัวอย่างง่ายๆของพฤกษ์ 

homophony : เพลงที่ชัดเจนการสนับสนุนจากการคอร์ดั คลอ เพลงเพลงยอดนิยมของชาวตะวันตกส่วนใหญ่ตั้งแต่ศตวรรษที่ 19 เป็นต้นไปเขียนด้วยเนื้อแบบนี้ 

ดนตรีที่ประกอบด้วยชิ้นส่วนอิสระจำนวนมาก(เช่นคอนแชร์โตคู่พร้อมด้วยเครื่องดนตรีออเคสตรา 100 ชิ้นที่มีเส้นความไพเราะที่ผสมผสานกันจำนวนมาก) มักกล่าวว่ามีพื้นผิวที่ "หนากว่า" หรือ "หนาแน่นกว่า" มากกว่างานที่มีชิ้นส่วนเพียงไม่กี่ชิ้น (เช่นกทำนองเพลงขลุ่ยเดี่ยวพร้อมด้วยเชลโลเดี่ยว) 

Timbre หรือ "โทนสี" 

Timbreบางครั้งเรียกว่า "สี" หรือ "โทนสี" คือคุณภาพหรือเสียงของเสียงหรือเครื่องดนตรี [21]ทิมเบรเป็นสิ่งที่ทำให้เสียงดนตรีที่แตกต่างจากเสียงอื่นแม้ว่าจะมีระดับเสียงและความดังเท่ากันก็ตาม ตัวอย่างเช่นโน้ต 440 Hz A จะฟังดูแตกต่างกันเมื่อเล่นบนโอโบเปียโนไวโอลินหรือกีตาร์ไฟฟ้า แม้ว่าผู้เล่นที่แตกต่างกันของตราสารเดียวกันเล่นโน้ตตัวเดียวกัน, บันทึกของพวกเขาอาจจะฟังเนื่องจากที่แตกต่างกันความแตกต่างในเทคนิคที่มีประโยชน์ (เช่นที่แตกต่างกันembouchures ) ประเภทที่แตกต่างกันของอุปกรณ์เสริม (เช่นยาสูบสำหรับผู้เล่นทองเหลืองกกสำหรับปี่และปี่ผู้เล่น) หรือสตริงที่ทำจากวัสดุที่แตกต่างกันสำหรับผู้เล่นสตริง (เช่นสายรัดกับสายเหล็ก). แม้แต่นักบรรเลงสองคนที่เล่นโน้ตตัวเดียวกันในเครื่องดนตรีชิ้นเดียวกัน (หนึ่งตัวต่อกัน) อาจฟังดูแตกต่างกันเนื่องจากวิธีการเล่นเครื่องดนตรีที่แตกต่างกัน (เช่นผู้เล่นสายสองคนอาจถือคันธนูต่างกัน 

ลักษณะทางกายภาพของเสียงที่กำหนดรับรู้ของต่ำรวมถึงคลื่นความถี่ , ซองจดหมายและหวือหวาของโน้ตหรือเสียงดนตรี สำหรับเครื่องดนตรีไฟฟ้าที่พัฒนาขึ้นในศตวรรษที่ 20 เช่นกีตาร์ไฟฟ้าเบสไฟฟ้าและเปียโนไฟฟ้านักแสดงยังสามารถเปลี่ยนโทนเสียงโดยการปรับการควบคุมอีควอไลเซอร์การควบคุมโทนเสียงบนเครื่องดนตรีและโดยใช้หน่วยเอฟเฟกต์อิเล็กทรอนิกส์เช่นแป้นเหยียบความผิดเพี้ยน น้ำเสียงของไฟฟ้าแฮมมอนด์ออร์แกนถูกควบคุมโดยการปรับdrawbars 

คุณสมบัติที่แสดงออกเป็นองค์ประกอบในดนตรีที่สร้างการเปลี่ยนแปลงในดนตรีโดยไม่ต้องเปลี่ยนเสียงหลักหรือเปลี่ยนจังหวะของทำนองเพลงและดนตรีประกอบอย่างมาก นักแสดงรวมทั้งนักร้องและ instrumentalists, สามารถเพิ่มการแสดงออกทางดนตรีจะเป็นเพลงหรือชิ้นส่วนโดยการเพิ่มการใช้ถ้อยคำโดยการเพิ่มผลเช่นvibrato (ด้วยเสียงและเครื่องมือบางอย่างเช่นกีต้าร์, ไวโอลินเครื่องดนตรีทองเหลืองและ woodwinds) เปลี่ยนแปลง (เสียงดังหรือ ความนุ่มนวลของชิ้นส่วนหรือส่วนของมัน) ความผันผวนของจังหวะ (เช่นritardandoหรือAccelerandoซึ่งจะชะลอตัวลงและเร่งความเร็วขึ้นตามลำดับ) โดยการเพิ่มการหยุดชั่วคราวหรือfermatasในจังหวะและโดยการเปลี่ยนการประกบของโน้ต (เช่นการทำให้โน้ตเด่นชัดขึ้นหรือเน้นเสียงโดยการทำให้โน้ตเป็นแบบLegatoมากขึ้นซึ่งหมายถึงการเชื่อมต่ออย่างราบรื่นหรือโดยการทำให้โน้ตสั้นลง) 

การแสดงออกทำได้โดยการปรับระดับเสียง (เช่น inflection, vibrato, slides เป็นต้น), Volume (dynamics, accent, tremolo เป็นต้น), ระยะเวลา (ความผันผวนของจังหวะ, การเปลี่ยนแปลงจังหวะ, การเปลี่ยนระยะเวลาโน้ตเช่น legato และ staccato เป็นต้น .), เสียงต่ำ (เช่นการเปลี่ยนเสียงทุ้มจากแสงเป็นเสียงที่ก้องกังวาน) และบางครั้งก็เป็นเนื้อสัมผัส (เช่นการเพิ่มโน้ตเบสเป็นสองเท่าเพื่อเอฟเฟกต์เปียโนที่สมบูรณ์ยิ่งขึ้น) การแสดงออกจึงสามารถมองได้ว่าเป็นการปรุงแต่งขององค์ประกอบทั้งหมดเพื่อสื่อถึง "การบ่งบอกอารมณ์จิตวิญญาณตัวละคร ฯลฯ " และด้วยเหตุนี้จึงไม่สามารถรวมเป็นองค์ประกอบการรับรู้ที่เป็นเอกลักษณ์ของดนตรีแม้ว่ามันจะถือได้ว่าเป็นองค์ประกอบพื้นฐานที่สำคัญของดนตรีก็ตาม 

ดนตรีบางสไตล์ให้ความสำคัญกับปัจจัยพื้นฐานเหล่านี้ในขณะที่เพลงอื่น ๆ ให้ความสำคัญกับองค์ประกอบบางอย่างน้อยลง เพื่อให้เป็นตัวอย่างหนึ่งในขณะที่แจ๊สBebop -era ใช้คอร์ดที่ซับซ้อนมากรวมถึงความโดดเด่นที่เปลี่ยนไปและความก้าวหน้าของคอร์ดที่ท้าทายโดยคอร์ดจะเปลี่ยนสองครั้งขึ้นไปต่อแท่งและการเปลี่ยนคีย์หลายครั้งในการปรับแต่งฟังค์ให้ความสำคัญกับ จังหวะและร่องกับเพลงทั้งหมดที่อยู่รอบ ๆปะติดปะต่อบนคอร์ดเดียว ในขณะที่ดนตรีคลาสสิกยุคโรแมนติกตั้งแต่กลางถึงปลายทศวรรษที่ 1800 ใช้ประโยชน์อย่างมากจากการเปลี่ยนแปลงอย่างมากของพลวัตตั้งแต่ส่วนเปียโนนิสซิโมที่กระซิบไปจนถึงส่วนฟอร์ติสซิโมที่ดังสนั่นห้องเต้นรำสไตล์บาร็อคทั้งหมดสำหรับฮาร์ปซิคอร์ดในช่วงต้นทศวรรษ 1700 อาจใช้ไดนามิกเดี่ยว เพื่อให้เป็นอีกตัวอย่างหนึ่งในขณะที่ดนตรีศิลปะบางชิ้นเช่นซิมโฟนีมีความยาวมากเพลงป๊อปบางเพลงมีความยาวเพียงไม่กี่นาที 

สมัยก่อนประวัติศาสตร์ 

ฟลุตกระดูกซึ่งมีอายุมากกว่า 41,000 ปี 

ดนตรียุคก่อนประวัติศาสตร์สามารถสร้างทฤษฎีได้โดยอาศัยการค้นพบจากแหล่งโบราณคดียุคหินเท่านั้น มักจะถูกค้นพบขลุ่ยแกะสลักจากกระดูกที่เจาะรูด้านข้าง เหล่านี้กำลังคิดว่าจะได้รับการเป่าที่ปลายด้านหนึ่งเช่นญี่ปุ่นshakuhachi Divje Babe ขลุ่ย , แกะสลักจากถ้ำหมี ขาอ่อนก็คิดว่าจะต้องมีอายุอย่างน้อย 40,000 ปี เครื่องดนตรีเช่นขลุ่ยเจ็ดซุกและประเภทต่างๆของเครื่องสายเช่นRavanahathaได้รับการกู้คืนจากอารยธรรมลุ่มแม่น้ำสินธุ โบราณคดีเว็บไซต์ อินเดียมีประเพณีดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดแห่งหนึ่งในโลกการอ้างอิงถึงดนตรีคลาสสิกของอินเดีย ( มาร์กา ) พบได้ในพระเวทซึ่งเป็นคัมภีร์โบราณของประเพณีฮินดู [33]คอลเลกชันเครื่องดนตรียุคก่อนประวัติศาสตร์ที่เก่าแก่ที่สุดและใหญ่ที่สุดถูกพบในประเทศจีนและมีอายุตั้งแต่ 7000 ถึง 6600 ปีก่อนคริสตกาล " Hurrian Hymn to Nikkal " พบบนแผ่นดินที่มีอายุย้อนกลับไปประมาณ 1400 ปีก่อนคริสตกาลเป็นงานดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดที่ยังหลงเหลือ  

อียิปต์โบราณ 

บทความหลัก: Music of Egypt 

นักดนตรีของAmun , Tomb of Nakht , ราชวงศ์ที่ 18 , Western Thebes 

ชาวอียิปต์โบราณให้เครดิตเทพองค์หนึ่งของพวกเขาThothด้วยการประดิษฐ์ดนตรีโดยใช้โอซิริสเป็นส่วนหนึ่งของความพยายามของเขาที่จะทำให้โลกเป็นอารยะ วัสดุที่เก่าแก่ที่สุดและหลักฐานดำเนินการของอียิปต์วันเครื่องดนตรีกับระยะเวลา Predynasticแต่หลักฐานที่มีส่วนร่วมอย่างปลอดภัยมากขึ้นในราชอาณาจักรเก่าเมื่อพิณ , ขลุ่ยและclarinets คู่กำลังเล่น [37]ตราสารกระทบพิณเขาคู่และพิณถูกเพิ่มเข้าไปในออเคสตร้าโดยกลางราชอาณาจักร ฉิ่ง[38]มักจะมีดนตรีและการเต้นรำควบคู่ไปด้วยเช่นเดียวกับที่ยังคงทำในอียิปต์ในปัจจุบัน อียิปต์ดนตรีพื้นบ้านรวมทั้งแบบดั้งเดิมSufi dhikrพิธีกรรมจะใกล้เคียงที่สุดร่วมสมัยแนวเพลงเพื่ออียิปต์โบราณเพลงที่มีการเก็บรักษาไว้หลายลักษณะของจังหวะและเครื่องมือ 

เพลงเอเชียครอบคลุมแนวใหญ่ของวัฒนธรรมเพลงสำรวจในบทความเกี่ยวกับอารเบีย , เอเชียกลาง , เอเชียตะวันออก , เอเชียใต้และเอเชียตะวันออกเฉียงใต้ หลายคนมีประเพณีที่เข้ามาในสมัยโบราณ 

ดนตรีคลาสสิกของอินเดียเป็นหนึ่งในประเพณีดนตรีที่เก่าแก่ที่สุดในโลก อารยธรรมลุ่มแม่น้ำสินธุมีประติมากรรมที่แสดงการเต้นรำและเครื่องดนตรีเก่าเช่นขลุ่ย holed เจ็ด ประเภทต่างๆของเครื่องสายและกลองได้รับการกู้คืนจากหะรัปปาและMohenjo Daroโดยการขุดเจาะที่ดำเนินการโดยเซอร์Mortimer Wheeler ฤคเวทมีองค์ประกอบของดนตรีอินเดียปัจจุบันมีโน้ตดนตรีเพื่อแสดงเมตรและโหมดของการสวดมนต์ ดนตรีคลาสสิกของอินเดีย (มาร์กา) เป็นดนตรีแบบโมโนโฟนิกและมีพื้นฐานมาจากทำนองเดียวหรือแร็กาจัดจังหวะผ่านtalas SilappadhikaramโดยIlango Adigalให้ข้อมูลเกี่ยวกับวิธีการสร้างเครื่องชั่งใหม่โดยการเปลี่ยนโมดอลของโทนิคจากเครื่องชั่งที่มีอยู่ [45]เพลงภาษาฮินดีในปัจจุบันได้รับอิทธิพลจากดนตรีดั้งเดิมของเปอร์เซียและอัฟกันมุกัล เพลง Carnaticซึ่งเป็นที่นิยมในรัฐทางใต้ส่วนใหญ่เป็นการให้ข้อคิดทางวิญญาณ เพลงส่วนใหญ่กล่าวถึงเทพเจ้าในศาสนาฮินดู นอกจากนี้ยังมีเพลงอีกมากมายที่เน้นความรักและประเด็นทางสังคมอื่น ๆ 

ดนตรีคลาสสิกของจีนซึ่งเป็นศิลปะดั้งเดิมหรือดนตรีราชสำนักของจีนมีประวัติศาสตร์ยาวนานกว่าสามพันปี มีระบบสัญกรณ์ดนตรีที่เป็นเอกลักษณ์ของตัวเองเช่นเดียวกับการปรับแต่งดนตรีและระดับเสียงเครื่องดนตรีและสไตล์หรือแนวดนตรี ดนตรีจีนเป็นดนตรีแบบเพนทาโทนิก - ไดอะโทนิกโดยมีขนาดของโน้ตสิบสองตัวถึงอ็อกเทฟ (5 + 7 = 12) เช่นเดียวกับดนตรีที่ได้รับอิทธิพลจากยุโรป 

ความรู้เกี่ยวกับช่วงเวลาในพระคัมภีร์ไบเบิลส่วนใหญ่มาจากการอ้างอิงทางวรรณกรรมในพระคัมภีร์และแหล่งข้อมูลหลังพระคัมภีร์ ศาสนาและประวัติศาสตร์ดนตรีเฮอร์เบิร์คเยอร์จูเนียร์เขียนว่า "เพลงทั้งแกนนำและได้รับการเพาะปลูกได้ดีในหมู่ชาวฮีบรูที่พันธสัญญาใหม่คริสเตียนและโบสถ์คริสต์ศตวรรษที่ผ่าน." เขาเสริมว่า "ดูในพันธสัญญาเดิมเผยให้เห็นว่าคนในสมัยโบราณของพระเจ้าทุ่มเทให้กับการศึกษาและฝึกฝนดนตรีอย่างไรซึ่งถือเป็นสถานที่ที่ไม่เหมือนใครในหนังสือประวัติศาสตร์และคำทำนายตลอดจนเพลงสดุดี" 

นักวิชาการด้านดนตรีและการละครที่ศึกษาประวัติศาสตร์และมานุษยวิทยาของเซมิติกและวัฒนธรรมจูดีโอ - คริสเตียนตอนต้นได้ค้นพบความเชื่อมโยงทั่วไปในกิจกรรมการแสดงละครและดนตรีระหว่างวัฒนธรรมคลาสสิกของชาวฮีบรูกับชาวกรีกและโรมันในภายหลัง พื้นที่ที่พบบ่อยของประสิทธิภาพการทำงานจะพบได้ใน "ปรากฏการณ์ที่เรียกว่าสังคมบทสวด " รูปแบบของการสวดมนต์ซึ่งประกอบด้วยชุดของที่สวดหรือวิงวอน วารสารศาสนาและโรงละครบันทึกว่าในรูปแบบที่เก่าแก่ที่สุดของบทสวด "บทสวดภาษาฮิบรูที่มาพร้อมกับประเพณีดนตรีที่อุดมไปด้วย"  

ปฐมกาล 4.21 ระบุว่า Jubal เป็น "บิดาของทุกคนเช่นจับพิณและท่อ" Pentateuch เกือบจะเงียบเกี่ยวกับการฝึกฝนและการสอนดนตรีในชีวิตยุคแรกของอิสราเอล "ใน I Samuel 10 มีการพรรณนาเพิ่มเติมเกี่ยวกับ "นักร้องประสานเสียงและวงออเคสตราขนาดใหญ่" วงดนตรีขนาดใหญ่เหล่านี้สามารถดำเนินการได้ด้วยการซ้อมใหญ่เท่านั้นสิ่งนี้ทำให้นักวิชาการบางคนตั้งทฤษฎีว่าศาสดาพยากรณ์ซามูเอลนำโรงเรียนดนตรีของรัฐไปสู่นักเรียนหลากหลายกลุ่ม